Gonzalo vecchi

En la última década y media Hollywood no ha hecho más que publicar películas recicladas, sagas agotadas y producciones que se repiten una y otra vez. A pesar de esto, logró cosechar miles de millones en ganancias. ¿Por qué no nos cansamos de ver siempre lo mismo?

Muchas veces, cuando se anuncia un estreno en la cartelera del cine, me invade una sensación de familiaridad, como un “esto ya lo vimos”. Quizás esto se deba porque, a medida que vamos creciendo, cada vez se vuelve más complejo ver películas con argumentos que no hayamos ya conocido en otras oportunidades. También puede ser porque, de un tiempo a esta parte, nos hemos acostumbrado a los anuncios rimbombantes de nuevas versiones de películas que en el pasado lograron cosechar un éxito importante y de la cual, la industria, hará todo lo posible para seguir extrayéndole jugo en forma de remake o continuación de una saga.

No es casualidad que esto ocurra, porque la nostalgia vende. Y mucho. Pero, ¿Acaso soy la única persona que se pregunta hasta cuándo van a seguir utilizando esta estrategia de reciclar contenidos? ¿Será por comodidad, presupuesto o porque la industria se quedó sin ideas frescas y apelan a una fórmula conocida? Mientras tanto, desde hace algunos años ya que seguimos viendo siempre lo mismo y no pareciera que fuéramos a cansarnos. Al menos no en el futuro inmediato.

Es evidente que a los grandes magnates de la industria cinematográfica no les afecta en absoluto todo esto. De hecho, en lo que va de 2025, entre las primeras 20 películas con mayor recaudación del año, nueve son remakes o continuaciones de saga, lo que se traduce en miles de millones de dólares que van a parar a las arcas de los estudios de Hollywood por darnos simplemente reversiones.

De acuerdo con el sitio especializado IMDB, entre las principales recaudadoras a nivel global se encuentran “Lilo y Stich” (remake en live action), con más de $1.028 millones, seguida por «Jurassic World: El renacer”, con más de $828 millones, “Cómo entrenar a tu dragón” (remake en live action) con $624 millones, “Misión Imposible: Sentencia Final” con $596 millones, “Superman” con $594 millones, “Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos” con casi $470 millones, “Capitán América: Brave new world” con más de $415 millones, “Destino Final: Lazos de sangre” con más de $285 millones y “Paddington en Perú” con casi $210 millones.

La contundencia de los números habla por sí sola. Por más que nos repitan las cosas, algo nos querer seguir consumiéndolas.

Cabe destacar que en esta nómina no se tuvieron en cuenta otros films de este año como “Bridget Jones: loca por él”, “Depredador: Tierras salvajes” o más recientemente “La pistola desnuda”, todas con sus respectivas sagas anteriores que tan bien conocemos. Tampoco se contemplaron aquellos regresos prometidos, pero aún no concretados, como pueden ser las nuevas películas de sagas como “Riddick”, “El juego del miedo” o “Se lo que hicieron el verano pasado”.

Por caso tampoco fueron consideradas otras películas cargadas de nostalgia, cuyo objetivo no fue más que el de vender apelando a las emociones que podían despertar, como fue el caso de las live action de “El Rey León” (2019), “Aladin” (2019) y “Dumbo” (2019), las nuevas versiones de íconos de los 80’s como “Cazafantasmas” (2016) y “Top Gun” (2022), o el rediseño de otra vieja conocida llamada “Godzilla” (2016).

Lo mismo ocurre en el caso de las series y los innumerables casos de spin off que la industria ha presentado en la última década y media. Universos tales como el de “La guerra de las galaxias” o los superhéroes de Marvel, ya no aportan nada nuevo a sus historia, más que recursos narrativos muchas veces forzados para hacerlos encajar en una lógica de mercado que apunta a lo más profundo de nuestros corazones.

Apelar a la nostalgia como estrategia de venta es una forma de manipular nuestras emociones, ya que con el solo hecho de toparnos con el poster oficial de una película que vimos en nuestra infancia, por ejemplo, automáticamente nuestra mente buscará ir hacia ese lugar conocido, donde experimentamos un montón de nuevas sensaciones que nos marcaron por diferentes motivos. Cuando entramos en ese juego todo nos resulta bello, porque uno de los sesgos más conocidos que tenemos las personas es siempre tender a la idealización del pasado. ¿Por qué? Porque ya lo conocemos y, por lo tanto, está despojado de la tan amenazante incertidumbre de no saber qué puede ocurrirnos. Sería como entrar a una habitación donde todos los objetos están siempre en el mismo lugar, fijos. Nada cambia, pase lo que pase.

Por eso, cuando vemos un remake de un film que vimos de pequeños en el cine, la tv o porque la alquilamos en un videoclub (para los que ya pasamos los 30 hace rato), probablemente recordemos el contexto de cuándo la vimos, cómo, dónde o con quién. Eso, a su vez, va a disparar de forma automática otros recuerdos relacionados con ese momento particular de nuestras vidas. Así evocamos siempre lo bueno, ignoramos lo malo y seguimos comprando ese producto de forma inconsciente porque nos hace bien retrotraernos al momento en el que no teníamos más obligaciones ni grandes problemas que los de encontrar alguien con quien jugar o tener que ir a la escuela.

Hoy la industria nos presenta dos caras de la misma moneda. Se encarga de hacernos transitar por una bifurcación de caminos en los que acabamos por llegar siempre al mismo sitio, mientras nuestro saldo bancario disminuye a costa de nuestra sonrisa moldeada por memorias.

Esto no quiere decir que quien escribe estas líneas esté lejos de caer en esta trampa. De hecho, debo confesar que al conocer que Liam Neeson sería quien protagonizaría la reversión de “La pistola desnuda”, no pude evitar evocar las absurdas aventuras del teniente detective Frank Drebin, protagonizado en la saga original por Leslie Nielsen, y casi de inmediato relacionarlas con algunos momentos de mi infancia en particular que recuerdo con mucho cariño.

A juzgar por los títulos que Hollywood no se cansa de exprimir hasta el cansancio, pareciera que gran parte de la generación nacida entre 1980 y los 2000 está destinada a caer, antes o después, en las redes de la industria de la nostalgia. Sucede con las películas, pero también con la moda, la música, videojuegos, objetos de diseño y más. Todo eso que entra en la categoría de lo retro, título pegadizo y atractivo si los hay, no es más que la decisión de toda una industria global que hace años se dio cuenta de nuestra vulnerabilidad como consumidores.

Entre 1935 y 1936 el filósofo alemán, Walter Benjamin, escribió un ensayo titulado “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”, donde se refería a una cualidad única e irrepetible de una obra de arte, que decidió definir como el “aura”. Esta, según él, era una singularidad característica existente en la producción de una pieza artística, a partir de su “aquí y ahora”, lo que en otras palabras podemos traducir como el contexto en el que fue elaborada. Eso, según la obra de Benjamin, era una experiencia única e irrepetible que, desde comienzos del Siglo XX en adelante, la reproductibilidad técnica puso en jaque. En ese entonces el filósofo alertaba acerca de la pérdida del aura y lo que implicaba ello para el arte en tiempos del auge capitalista. Según Benjamin, la desvinculación del ritual en el que se produjo la obra y su transformación en mero objeto de exhibición o adorno producido en cadena, llevaba a la dilución de su autenticidad.

Hoy esa “aura” cuesta cada vez más encontrarla.

En una era donde la masificación de las reproducciones es regla, donde estamos relegando nuestra capacidad creativa en las máquinas y acabamos por dar siempre con el mismo producto, el interrogante es si en algún momento nos cansaremos de seguir consumiendo obras sin alma o acabaremos por resignarnos a seguir consumiendo en loop lo mismo una y otra vez, hasta el punto de haber perdido la capacidad de sorprendernos y emocionarnos.